Matisse ocupa seu lugar na linha do tempo da pintura por causa do uso de cores. Ele fez coisas com cores que ninguém tinha antes e influenciou muitos artistas que os seguiram. O Red Studio de Matisse é importante pelo uso da cor e pela perspectiva achatada, pela alteração da realidade e pela percepção do espaço.

Ele o pintou em 1911, após sua exposição à arte islâmica tradicional durante uma visita à Espanha, o que influenciou o uso de padrões, decoração e representação do espaço. O Red Studio se agrupa com outras três pinturas que Matisse fez naquele ano - A Família do Pintor, O Estúdio Rosa e Interior com Beringelas - como estando " em uma encruzilhada da pintura ocidental, onde a arte clássica representativa predominantemente voltada para o exterior o passado encontrou o ethos provisório, internalizado e autorreferencial do futuro "1.

Os elementos que Matisse incluía " afundam suas identidades individuais no que se tornou uma meditação prolongada sobre arte e vida, espaço, tempo, percepção e a natureza da própria realidade ".2 Ou, de maneira muito mais simplista, ele pintou uma realidade pessoal, o mundo como ele percebeu e experimentou, de uma maneira que fazia sentido para ele.

Se você olhar para suas pinturas anteriores, como Harmony in Red, pintada em 1908, verá que Matisse estava trabalhando em direção ao estilo no Red Studio, que não apareceu do nada.

Mas a perspectiva está toda errada …

Matisse não entendeu a perspectiva "errada", ele a pintou da maneira que queria. Ele achatou a perspectiva na sala e alterou-a de como percebemos a perspectiva com nossos olhos.

A questão de acertar a perspectiva se aplica somente se você estiver tentando pintar em um estilo realista, ou seja, criar uma ilusão de realidade e profundidade em uma pintura. Se esse não é o seu objetivo, você não pode entender a perspectiva "errada". E não é que Matisse também não soubesse como fazê-lo "certo"; ele apenas escolheu não fazer dessa maneira.

Uma pintura é, em última análise, uma representação ou expressão de algo recriado em duas dimensões, não precisa ser uma ilusão de três dimensões. Os estilos de pintura ocidental antes do Renascimento não usavam o que agora pensamos como perspectiva tradicional (por exemplo, gótico). As formas de arte chinesa e japonesa nunca foram. O cubismo deliberadamente rompe a perspectiva, representando um único objeto de vários pontos de vista.

Não se iluda pensando que o Red Studio é uma pintura ou estilo totalmente plano. Ainda há uma sensação de profundidade na sala, criada pelo arranjo dos elementos. Por exemplo, há uma linha à esquerda onde o piso e a parede se encontram (1). Os móveis podem ser reduzidos a contornos, mas as bordas da mesa ainda ficam inclinadas à medida que se afastam (2), assim como a cadeira (3). As pinturas na parte de trás estão claramente apoiadas contra uma parede (4), mesmo que não haja separação das paredes laterais / traseiras (5) da maneira que existe entre o piso e a parede lateral. Mas lemos a borda da pintura grande como estando no canto de qualquer maneira.

Pode-se até dizer que cada elemento da pintura experimenta perspectiva, mas é apresentado como se o artista estivesse vendo apenas isso. A cadeira está na perspectiva de dois pontos, a mesa em uma e a janela também recua para um ponto de fuga. Eles são justapostos, quase uma colagem de visões diferentes.

Uma pintura enganosamente simples

Acredito que se trata de uma pintura com composição enganosamente simples. Pode parecer que Matisse jogou coisas na tela em qualquer lugar antigo, ou que ele pintou a mesa primeiro e depois teve que preencher o resto do espaço com alguma coisa. Mas observe como o arranjo dos elementos leva seu olhar ao redor da pintura.

Na foto, marquei quais são as linhas direcionais mais fortes para mim, empurrando seu olho para cima e para baixo pelas bordas, girando e girando para ver tudo. É claro que é possível ver isso de outras maneiras, como à direita e depois à esquerda. (Embora a maneira como você lê uma pintura seja influenciada pela direção em que você lê o texto.)

Considere como ele pintou os vários elementos, que são reduzidos a contornos e aos quais se destaca. Observe que não há sombras, mas há um destaque refletido no vidro. Olhe de soslaio para a pintura para ver as áreas de tom mais claro e como criar uma unidade na composição.

Você não pode vê-lo na foto, mas os contornos não são pintados em cima do vermelho, mas as cores abaixo do vermelho são exibidas. (Se você estiver trabalhando em aquarela, precisará mascarar essas áreas e, com acrílicos, provavelmente pintá-lo por cima, dada a rapidez com que secam, mas com óleos você pode riscar a cor mais baixa se a camada estiver seca.)

" Matisse não apenas inundou seu espaço pictórico com um lago plano e monocromático em plena saturação, inundando o ângulo oblíquo do estúdio; além disso, tratou tudo tridimensional como nada além de contornos inscritos. Enquanto isso, os únicos objetos permitiam cores ou modelagem em cores parecem conceitualmente planas em virtude de serem elas mesmas planas - ou seja, a placa circular em primeiro plano e as pinturas penduradas na parede ou empilhadas contra ela " .

- Daniel Wheeler, Arte desde meados do século , p16.

Uma pintura autobiográfica

Os elementos do Red Studio convidam você para o mundo de Matisse. Para mim, a parte "vazia" em primeiro plano é como espaço, onde eu passo para estar entre as coisas do estúdio. Os elementos formam um tipo de ninho no qual o processo criativo ocorre.

As pinturas retratadas são todas dele, assim como as esculturas (1 e 2). Observe a caixa de lápis ou carvão (3) em cima da mesa e o cavalete (4). Mas por que o relógio não tem ponteiros (5)?

Matisse está descrevendo o processo criativo? A mesa funciona como um recipiente para as idéias de comida e bebida, natureza e materiais do artista; a essência da vida de um artista. Há representação de diferentes assuntos: retratos, natureza morta, paisagem. Uma janela para iluminação. A passagem do tempo é denotada pelo relógio e pelas pinturas emolduradas / sem moldura (inacabadas?). É feita uma comparação com a tridimensionalidade do mundo com esculturas e um vaso. Finalmente, há contemplação, uma cadeira posicionada para ver a arte.

Red Studio não era inicialmente vermelho. Em vez disso, "era originalmente um interior cinza-azulado, correspondendo mais estreitamente ao branco do estúdio de Matisse como realmente era. Esse cinza-azulado bastante poderoso ainda pode ser visto mesmo a olho nu por cima do relógio e por baixo do mais fino No lado esquerdo, foi debatido o que forçou Matisse a transformar seu estúdio com esse vermelho deslumbrante: foi sugerido que foi estimulado da maneira mais perceptiva possível pela pós-imagem de verduras do jardim em um dia quente. "

- John Gage, Cor e Cultura p212.

Em sua biografia (página 81), Hilary Spurling diz: "Os visitantes de Issy perceberam imediatamente que ninguém havia visto ou imaginado algo assim antes … parecia um segmento de parede destacado com objetos rudimentares flutuando ou suspensos nele. agora (1911) ele pintou realidades que existiam apenas em sua mente " .

Nem está bem pintado …

• "Parece que ele não conseguiu decidir onde colocar as coisas."
• "É apenas uma mistura de bits sem considerar o design de composição".
• "Ele poderia ter retratado seus sentimentos sobre esta sala com suas peças de uma maneira muito mais agradável e talvez não tivesse que explicar isso".
• "As peças nem são pintadas bem."

Comentários como esses (feitos no Fórum de Pintura) levantam a questão: "O que você define como 'bem pintado'?" Você precisa que ele seja com detalhes realistas e finos? Você quer dizer pintura, onde você pode ver claramente o que é, mas também há uma sensação das pinceladas usadas para criar a imagem? Pode transmitir uma sensação de uma coisa sem detalhes? Algum grau de abstração é aceitável?

Em última análise, tudo se resume à preferência pessoal, e temos a sorte de viver em uma época em que existem tantos estilos. No entanto, apenas pintar objetos para que pareçam representações realistas de si mesmos limita muito o potencial da tinta, na minha opinião. O realismo é apenas um estilo de pintura. Parece "certo" para muitas pessoas por causa da influência da fotografia, ou seja, a imagem se parece exatamente com o que representa. Mas isso limita o potencial do meio (e a fotografia).

Saber o que você gosta e o que não gosta faz parte do desenvolvimento de seu próprio estilo. Mas rejeitar o trabalho de um artista sem descobrir por que você não gosta ou saber por que é considerado um grande negócio é fechar uma avenida potencial de descoberta. Parte de ser pintor é estar aberta a possibilidades, experimentar simplesmente para ver aonde isso pode levá-lo. Coisas inesperadas podem vir de fontes inesperadas. Repetidas vezes recebo e-mails de pessoas que abordaram vários projetos de pintura dizendo que nunca haviam feito algo assim antes e ficaram agradavelmente surpresos com os resultados. Por exemplo: O que mais preocupa e identifica o problema!

Acho que nunca mais gostarei das pinturas de Matisse

Gostar da obra de um artista não é o mesmo que entender sua importância dentro da linha do tempo da arte. Hoje estamos tão acostumados com a perspectiva "errada" que não pensamos muito nisso (independentemente de gostarmos ou não). Mas, em algum momento, um artista foi o primeiro a fazer isso.

Parte da apreciação do The Red Studio vem do contexto em que Matisse estava trabalhando e do conceito, não apenas da pintura real. Um exemplo comparável seriam as pinturas coloridas de Rothko; é difícil imaginar um momento em que a cobertura de uma tela com apenas cores não tenha precedentes.

Quem é inscrito nos livros como mestre é uma questão de moda e, até certo ponto, de sorte, estar nos lugares ou galerias certos na hora certa, com acadêmicos e curadores pesquisando e escrevendo sobre seu trabalho. Matisse passou por um período de ser descartado como meramente decorativo (e pior), mas foi reavaliado e recebeu um papel mais proeminente. Agora ele é bem visto por sua simplicidade, seu uso da cor, seu design.